Años atrás, época en la que no estábamos tan tecnologizados, la búsqueda de música nueva para escuchar era una especie de constante batalla. No existí­an herramientas como las actuales, con las que uno pudiera hacer un click y de esa forma encontrar ese grupo, o “la” canción, que te llamara la atención y que te quedara sonando en la cabeza por lo menos una semana. No puedo de dejar de pensar en eso, mientras escucho el reciente EP de Betania López. Lo pienso, pues si las cosas no fueran como son ahora, probablemente nunca hubiera tenido acceso a escuchar su trabajo y hubiéramos crecido en diferentes partes de la ciudad, yo sin saber de su existencia, y la banda, probablemente sin enterarse sobre Aldea Local. (-¡No saben lo que se habrí­a perdido! -¡ja!)

Sin embargo, agradezco internet, la descarga de discos, los mails… que me permiten estar escuchando en esta tarde de domingo el EP de Betania, “En las Calles de mi Tierra”. Lo primero que me llamó la atención es que creo que Betania tiene muy claro cuál es su amplitud tonal. Los temas están hechos de forma que ella sube y baja en las melodí­as, pero de manera que éstas le acomodan totalmente para cantarlas sin apuro ni esfuerzo. -¿Parece lógico? No tanto, he escuchado grupos que hacen versiones de temas o incluso con canciones propias en las que la voz del vocalista suena desencajada, a ratos forzada, porque el tono en el cual escogieron interpretar el tema definitivamente no le queda. Este no es el caso. En “Cuando quiero voy”, la voz de Betania se escucha cómoda, casi jugando con las notas, en una melodí­a que es muy pegajosa. Se escucha tan bien de hecho, que, visto desde otro punto de vista, juega un poco en contra ya que uno se queda con la sonoridad de la melodí­a y honestamente cuesta poner atención a lo que se está cantando. -¿Eso es malo? No, para nada, el fuerte de esta banda, en estos tres temas es la contrucción y cadencia que han dado a las melodí­as. Por otro lado, Betania tiene un timbre suficientemente particular, lo que siempre será una ganancia, porque (lo siento bandas) se quiera o no, la voz es la guinda de la torta. Una banda puede interpretar muy bien, pero el sello final lo dará quien esté en las voces. El Ep sigue con el segundo tema, “En las calles de mi Tierra”, un reggae de fácil escucha y termina con “En vano fue”, canción más cercana al latin ska.

La portada del Ep está bastante bien, de igual forma puedo decir un par de cosas que yo hubiera sugerido, (con todo respeto, que quede claro): yo hubiera mantenido la coherencia de los colores escogidos como adorno arriba (amarillo y rojo) y abajo (rojo y verde). Por otro lado, me gusta la idea de colocar la foto de Betania dentro de la tipografí­a, aunque es arriesgado, pues hay que escoger una tipografí­a que sea más fuerte que la foto misma y que permita que el nombre sea leí­do claramente. Por otro lado, yo hubiera hecho calzar la foto, pues al mirarla así­, destaca mucho la parte de la foto que está en el “Betania” y se pierde la que está en el “López” (Entiendo que se decidiera mantener el nombre centrado). La foto en sí­ misma está buena, muestra dedicación. -¿Pudo ser mejor una para esto en que el colorido retomara los colores que adornan la orilla de esta portada? Probablemente, pero es una muy bonita fotografí­a, que se nota trabajada y eso da gusta.

En resumen, suma y resta, un buen EP latin reggae ska, para el que vale la pena aprovechar la tecnologí­a y descargarlo. Mis saludos, Betania, espero escuchar pronto el siguiente disco.

Por Pamela Gaete

Hace mucho, mucho tiempo, en una galaxia ni tan lejana, conocí­ a una banda.-  Bueno, he conocido varias bandas, ésta en particular se llamaba Antileyes.-  En esa época, yo trabajaba con Los Miserables y a ellos, que estaban partiendo, pero que iban por el mismo estilo musical,-  empezamos a topárnoslos regularmente en diferentes tocatas.-  Uno de los Antileyes tení­a un transporte escolar, con lo que se transformaba en el “transportador”oficial al término de cada evento.-  Pero lo que más llamaba la atención de Antileyes en esa época era que se notaba que lo pasaban bien tocando, además de tener un vocalista con un tipo de registro vocal que cualquier banda punk se querrí­a: lo suficientemente parecido a una banda vasca, como para sonar bien punky, pero al mismo tiempo reconocible y particular.-  Antileyes grabó un disco en Alerta Diskos, etiqueta de Alerce,-  y luego de algunas diferencias continuó, pero ya- no con los integrantes-  que le conocí­. (incluidos entre ellos, Daniel “piojo”, el vocalista de la época). - Hasta el dí­a de hoy, de vez en cuando, vuelvo a algunos de esos temas, simples, rockeros, pero que son parte de un buen primer disco. (Abre tu mente, 2000, Alerta Diskos).

Pasaron varios años, hasta que un dí­a tocaron la puerta de mi casa en fin de semana.-  Al abrir, eran parte de los ex Antileyes, Daniel y Gabriel, quienes vení­an a mostrarnos lo que estaban haciendo en ese momento: una banda nueva, llamada Ni Mal ni Bien.

Ni mal ni Bien claramente seguí­a en la senda de Antileyes, pero más que por la música en sí­ mismo o por el registro vocal de Daniel, era porque al escucharlo te dabas cuenta que las canciones estaban hechas por las ganas de hacerlas, porque hacer música puede ser parte de la vida de uno, sin tener que buscar fórmulas, sino por las simples ganas de cantar y tocar.-  Ni mal ni Bien grabó un cassette para Alerta Diskos, pues siendo ya año 2004, las posibilidades en ese momento de poder invertir directamente en apuestas nuevas, para sacarlas en cd implicaba una gran inversión.-  El disco se lanzó, se hizo un video, pero ya luego no supe mucho más de la banda. (“Dónde están los rockers”, “Ni mal ni Bien, pero igual sonamo”, 2004, Alerta Diskos).

Nuevamente, se cierra y abre la cortina, pasan años y por la conectividad actual de Internet, uno se va enterando de los proyectos de gente que a lo mejor ha dejado de ver. Así­ por el facebook conozco a Cocodrilo Rockers.

Cocodrilo Rockers es una banda conformada por Vania Cash (voz), Johnny Patraña (baterí­a), Markoni (bajo) y por Daniel “el piojo”(guitarra-voz). Ahora conectados a través de la red me llega la grabación de su demo, llamado Amor, Odio & Rock and Roll.

El demo está muy bien.-  A pesar de los obvios pocos recursos para poder sacar un trabajo fonográfico, la carátula está en tonos blancos, grises, con un logo en verde y rojo, buena foto de la banda y con un cocodrilo de jopo y chaqueta rockera que me queda claro es la mascota del grupo.-  El diseño incluye los nombres de los cinco temas que trae, los créditos de grabación, contacto, integrantes y una pequeña declaración de principios, lo que se agradece cuando se ha visto tanto grupo que siente que tiene que mandarle saludos a “todos los que me conocen”.-  “Rockanroliamos y criticamos todo lo que nos está pasando”, dice la nota que nos comparte la banda y me acuerdo de esa escena de esa pelí­cula nerd, pero divertida, “Escuela de Rock”en la que el Profesor S les dice a sus alumnos que el rock es sobre estar enojado.-  Efectivamente, es sobre estar enojado y sobre pasarlo bien diciéndolo.

Los temas del demo son temas rockanroleros, bien construidos, sin pretenciones innecesarias.-  La voz de Daniel y de Vania- se complementan- perfectamente tanto juntas como por separado.-  “Anoréxica”, una sátira sobre las aspiraciones que según la publicidad debe tener toda mujer.-  “Quiero y necesito una roca”, “En el computador”nos devuelven al formato más básico del rock and roll, que en vivo nos harí­an salir a bailar (en mi caso, con un trago de por medio).-  “Cocodrilo Rockers”es el tema homónimo que toda banda debe tener, que cierra el cí­rculo de pertenencia, que le deja claro a la audiencia qué es lo que están escuchando.-  De igual forma, en este tema me voy a detener: es la canción más larga del demo, funciona hasta el minuto treinta, pero luego, sigue con el mismo fraseo en un punteo que se hace un poco largo y en una parte de la letra que se pierde del ritmo original.-  Yo le darí­a otra vuelta a la forma de resolver la segunda mitad de la canción.-  Finalmente, “El Kombate del Rock”, tema cortito (1 minuto 38) pero preciso, definitivamente el mejor tema del demo.

Los caminos del señor son misteriosos, dicen los católicos.-  Los caminos del rock son aún peores, intrincados, difí­ciles.-  Sin embargo, me alegra estar hoy escribiendo sobre Cocodrilo Rockers, creo que serán un aporte a la escena local, trayendo frescura a la música que en algunos casos trata actualmente de adornarse cada vez más con rimbombantes sonidos latinoamericanos, cuando a veces la respuesta está ahí­ mismo a la mano: simplemente tomar una guitarra y ponerse a cantar.-  Y más me alegra saber que no somos los únicos locos pegados con la música, sino que hay otras personas en esta ciudad, que seguirán haciendo proyectos, por el simple hecho de hacerlos y disfrutarlos.-  Cocodrilo Rockers, Amor, Odio & Rock and Roll. -¿Algo más?

por Pamela Gaete

Legua York es una- agrupación que conozco muy de cerca.-  Con Lulo, su vocalista principal y motor de la banda, hemos mantenido una amistad que nos ha llevado a innumerables conversaciones, teorí­as, ideas” de esas que sólo se tienen con quienes existen referentes comunes y que te llevan a casi conquistar el mundo en un segundo.-  Pero no me malentiendan: Legua York no es una banda grandilocuente, que aspire a conquistar a la grandes masas a través de las fórmulas habituales.-  No, no y no.-  Legua York es una banda que quiere ser más, siempre teniendo en la retina de dónde vienen y a dónde y quiénes quieren llegar.

He compartido con Legua York viajes, dentro y fuera de Chile, conciertos, talleres, ” grandes ideas, a veces unas cuántas no tan grandes.-  Hemos compartido nuestro tiempo y el tiempo de nuestras familias.-  Y sin perder esto de vista, trato de tomar distancia para comentar su nuevo disco recientemente editado, “Radio Legua York”

“Radio Legua York”es un trabajo que estuvo en el horno más tiempo que otros discos editados, por diferentes motivos que en realidad no tiene mucho sentido listar.-  Grabación, producción fuera del paí­s, negociación con el sello” que nos traen hasta recién en este septiembre 2010 tener el disco colocado en tiendas, con fecha de lanzamiento oficial para mediados de octubre.-  Sin embargo, esto es un hecho que no pasa de la anécdota: el disco es un disco fresco, con un sonido interesante, con letras que abordan un poco más allá de lo que Legua York anteriormente ha rapeado y que se escucha de principio a fin sin problema.- 

Las colaboraciones que trae el disco reflejan de alguna manera los ví­nculos que han desarrollado en estos años, así­ nos encontramos con Moyenei en “El Mensaje”o con Urban en “No sólo de Rap (vive el hombre)”, rapero importante en Catalunya con su proyecto Geronación.-  “Cuba”y “Amor de Pobre”nos recuerdan que esta banda está orgullosa-  de su opción hacia la izquierda y de sus orí­genes, ambos temas son una declaración de principios (“Amor de Pobre solamente puedo darte”).- 

“Radio Legua York” cuenta con la imprescindible presencia de Cenzi Gabarro en la producción del disco, quien dejó plasmado su aporte en un sonido que sin su presencia no hubiera existido.-  Mis respetos a Cenzi y también a la banda, por tener la claridad de compartir su trabajo con otros, que opinen y que te aporten, sin encerrarse en creer que su obra no puede ni debe ser mejorada.

Respecto a la carátula, en- lo que a diseño se refiere a mí­ me dejó totalmente satisfecha.-  Ésta refleja lo que ha sido la historia de Legua York en estos últimos 5 años, desde esa sorprendente mención de Lulo como uno de los 100 lí­deres jóvenes hecha por El Mercurio (sorprendente no porque no crea que la merezca, -¡sino porque es El Mercurio!), hasta parte de lo afiches más relevantes de las dos giras europeas realizadas durante el 2005 y el 2007, con fotos de los diferentes personajes con los que Legua York ha interactuado en sus viajes.-  Porque como hormiguitas, casi invisiblemente, Legua York ha sido capaz de crecer en lo que a territorio se refiere y ya a este 2010 suman 4 giras al viejo continente, pasando de bares a grandes escenarios y eso me parece importante que quede documentado (si dependemos de los medios de comunicación tradicionales, muchas veces no nos enteramos).-  Se optó por colocar el disco en un sobre, que son detalles que no siempre se ven en las ediciones y que le da valor agregado al disco como objeto.

- Si algo le criticarí­a constructivamente a Legua York es que creo que se debe trabajar más la estructura de los temas, en el sentido que como son tres voces, creo que se sienten obligados a tener que siempre cantar los tres, muchas veces largos versos y que en realidad, hacen que los temas pierdan la posibilidad de ser llamativos para un público diferente al vinculado al hip hop.-  Esto en este disco está resuelto en temas como “La Sombra”, que además tienen un gran video, pero en general es una constante en el trabajo que han hecho.-  Eso se hace necesario, sin entenderlo como una forma de caer en masividad, sino todo lo contrario, porque la banda gira por Chile y se presenta tanto para mil como para cien personas, en conciertos de hip hop y también en otros organizados con diferentes fines culturales.-  Y acercar el mensaje es una de las finalidades de este tipo de música.- 

Hace ya casi 6 años atrás, cuando hablamos con Lulo y comencé a colaborarles en un rol que yo asumo más bien de asesorí­a, le dije que yo tení­a interés en su proyecto porque querí­a dedicarle tiempo a ideas que me hicieran sentir orgullosa (a pesar de mi escasa cercaní­a, por mis gustos musicales, con el hiphop).-  Ahora, en este 2010, luego de cuatro viajes a Europa gestionados por mí­,-  varios discos en los cuales hemos estado más o menos involucrados, otras tantas visitas a diferentes lugares de Chile y de Sudamérica,-  pero más que nada, cientos de horas en talleres en los que el grupo ha motivado a otro jóvenes y bandas a expresarse ya sea a través del hip hop, el graffiti, el muralismo y miles de conversaciones en las que teorizamos y hacemos tantas cosas, puedo decir que me siento orgullosa de la banda y que tener en mis manos “Radio Legua York”me ratifica que el camino es ancho y que vamos por ese camino.

Las Lilits son una banda que ya lleva bastante rato trabajando. Hace unos 11 años atrás me acuerdo haber recibido un demo con algunos temas para un programa de radio, en cassette, obvio, y nomal, porque en esos tiempos los que usaban cassettes de cromo eran los más pudientes o los más snobs. Las carreras de las bandas se van dando de tantas diferentes maneras, sin que una forma sea mejor que otra. En el caso de las Lilits, las ha llevado a seguir existiendo, tocando, pero sin demasiado registro fonográfico “formal”, esto es, grabar un disco que se encuentre disponible. Si no cómo se explica que lleven años y sólo hayan grabado dos discos. Ya lo dije, esto no es ni bueno ni malo, las circunstancias de cada grupo nunca son iguales. Aunque debo decir que a mí­ me genera sentimientos encontrados: por un lado, lo lamento y por otro, me alegra. Lamento no tener aún más trabajos de ellas. Y me alegra, porque el paso del tiempo tocando y tocando, se ha plasmado en un excelente disco.

Por Pamela Gaete | Aldea Local

Sé que “Sueltas”no es una novedad, apareció el año pasado y de hecho hice un texto sobre el lanzamiento, al que fui gentilmente invitada en calidad de acompañante anónima. Sin embargo, nunca hice un comentario de este trabajo y me siento en deuda, porque hasta el dí­a de hoy temas de este disco suenan en mi casa, junto con la bastante inverosí­mil programación musical con la que tratamos que nuestros hijos aprendan (e impresionen a sus amigos). Y otro motivo que tengo es que pasé el terremoto en el Mist, justo cuando las Lilits estaban tocando. Así­ que me siento vinculada por la bizarra experiencia.

Empezaré diciendo que las Lilits en algún momento se incorporan a las Escuelas de Rock (el programa de cultura). No puedo saber hasta qué punto esa relación es fundamental o no, obvio, pero el disco fue producido por Andrés Godoy, general de mil batallas en la música chilena. Y en entrevistas que he leí­do la banda reconoce que Andrés les aportó mucho a este trabajo. Punto para ellas. Nunca será malo para un grupo cuando una persona que se interese en su música les dé ideas, les haga comentarios y, por qué no, también crí­ticas. El disco logró un sonido limpio, con grandes guitarras, muy buena bateria (Javiera es excelente). En “Escuela de Rock” (la pelí­cula) Jack Black dice que el rock es sobre estar enojado. Claro que sí­, enojado y con algo atravesado en la garganta que necesites tanto sacar que te subes a un escenario a hacerlo. Las Lilits tienen mucho que expresar, con enojo, con fuerza, con una mirada femenina de las relaciones, de la música, que revitaliza. “Voy a brillar, esta noche voy a estallar, porque yo siempre quiero más”cantan desde el primer tema y claro, la escucho y me dan ganas de salir a la calle a romperla.

De ahí­ en adelante el orden de la temas, cosa importante, se agradece. Pasas de una canción a otra sin que te parezca que hay reclames entre medio. “Hay algo”es una de las canciones pegajosas y fuertes, y es la que la banda ha promocionado como single, junto con “Niña Engreí­da”(aunque hay una lí­nea que me queda como fuera “veo en lo profundo más allá el asunto”. No sé por qué). “Te frusta no ser Dios”es el tipo de canción que me gustarí­a escuchar sentada en la última mesa de algún sucucho, tiene aire a noche. “Niña engreí­da”me parece que es una especie de tributo necesario, más bandas de estos tiempos debieran versionar canciones de bandas de aquellos tiempos. “No lo acepto más”suena a declaración de principios, -¿tal vez la canción tipo himno de la banda? (“Yo decido cuando te vas”, ¡¡Girl Power, obvio!!). Aparte tiene un solo de guitarra delicioso. “Puertas Adentro”habla de un tema poco abordado por las bandas, como el femicidio, de verdad debí­a obviamente una banda de mujeres partir por cantar al respecto. Del resto de los temas, ninguno es menor en calidad y me parece excelente que decicieran poner un instrumental, como “Yeah, Baby”. El disco termina con “Reacción” y aquí­ cuando lo escucho me pasa algo tan raro, como que se me pone la carne de gallina. Pero no es por el tema, no” es porque ésta es la canción que estaban cantando cuando fue el terremoto WTF!

En la portada del disco, el nombre de la banda viene en celeste/calipso, haciendo juego con el pañuelo de Masiel y de alguna forma con el vestido de Bernardita, estando las tres paradas delante de una especie de lienzo estilo pop art La foto de cada una está recortada a mano, como las carátulas de Sex Pistols, pero siendo muy cautelosos con el diseño, optando por colocar centrado sobre un fondo plomo texturizado. Las fotos cumplen, en cuanto a look, creo igual que a ellas se les puede sacar mucho más partido. La foto de la contraportada me parece buena. El resto del arte tiene un acierto y un definitivo error: El acierto los stickers de cada una de las Lilits, de verdad creo que las bandas deben aventurarse a hacer cosas que sean poco habituales. La foto de Masiel en el sticker es muy guapa, la de Javiera también, la de Bernardita desde abajo no le favorece tanto. El error definitivo es que frente al disco, donde se colocan las fotos y las letras viene una foto cortada que muestra a las Lilits más o menos desde la cintura hacia abajo, que de verdad no tiene ningún sentido y no aporta nada. Es como espacio perdido. Viene además un afiche con las letras de los temas, buena idea, memorabilia, lo que sí­ como era re grueso al abrir el disco, la verdad, si se guarda de nuevo, ya no se podí­a volver a cerrar.

Pero lo principal es la música. Las Lilits definitivamente brillan y estallan en este disco. Para mí­, uno de los mejores discos chilenos del último que tiempo he escuchado.

Junio 98. Veo por última vez a Santo Barrio original en la Batuta. Tení­an un gran en vivo y uno de los mejores discos de esa época. Luego sale Farah de la banda, responsable de gran parte de la energí­a transmitida en esos conciertos y Santo Barrio sigue su camino. Siempre pensé que esto debió pasar por diferencias irreconciliables entre los miembros del grupo. Así­, a muerte, como se pelea uno a veces en la vida.
Agosto 2010. 12 años después, tengo en mis manos el disco de Gandjarvas, Vieja Escuela. No dejó de ser una sorpresa, casi al nivel de joda de Tinelli, cuando supe por Cristóbal que él, integrante histórico de Santo Barrio, se reunirí­a en un nuevo proyecto con Farah, (-¡andá!) con el cual no sólo tocarí­an, sino que además desarrollarí­an un trabajo discográfico. -¡Porque una cosa es juntarse y otra, dejar registro! Y desde ahí­, me generé mis propias expectativas, pues algo bueno debí­a salir de esta re-unión. Una sola duda, sí­” -¿Gan cuánto, dijiste Cristóbal?

Por Pamela Gaete | Aldea Local

Gandjarvas, Gandjarvas, Gandjarvas. Me preocupé cuando escuché por primera vez el nombre de la banda, pues cualquier nombre que haya que deletrear representa más una traba que un apoyo, pero a la larga, -¿será porque ya lo he repetido tanto? Gandjarvas ya me parece tan buen nombre como cualquiera.

Pongo el disco, Vieja Escuela y trato de sustraerme de la historia anterior de Santo Barrio, porque sí­, bueno, yo era fan. Debiera sustraerme además pues detrás del trabajo también está Tito, de los no menos clásicos Sandino Rockers, Andrés ex -Interdictos y Rodolfo, quien tiene montones de tocatas en el cuerpo como parte de Drakos. Mmmm, pero nop, la intro de inmediato te deja claro que Santo Barrio es el punto de partida, con una breve historia que habla de esa pelea y posterior reunión, aun cuando con el primer tema, Vieja Escuela, se marca una sonoridad diferente, con más reminiscencias a lo que le conocimos a Interdictos. Sonoridad: ese es el concepto que se mantiene en la cabeza a lo largo del disco al escucharlo de corrido, se siente detrás de este trabajo, se nota la experticia no sólo en la interpretación, también en la grabación y la mezcla, cosa que parece, pero no es nada de fácil.

Toda banda debiera tener un tema dedicado a sí­ misma, donde posicione su nombre, se honre: Gandjarvas, el tercer tema, es una excelente excusa para que a todos quede claro cuál es el concepto, detrás de este trabajo. Para mí­, una de las canciones más logradas del disco.

Respecto a las letras, creo que hay temas que presentan inconexiones a ese nivel. Complicado. Un tema como “El Narco”nunca podrí­a ser cantado por alguien de un barrio con un verdadero problema de narcotráfico, sin esperar un par de balazos de vuelta. Por otro lado, “quisiera llevarlo rumbo del cajón (..), quisiera pegarle, los dientes botarle de un tirón matarle”. Oka, ninguno de nosotros querrá que a nuestro hijo le ofrezcan pasta base, -¿pero de ahí­ a mandar a alguien bajo tierra? Fuertes palabras. Sobretodo cuando en Cisne Negro “se eleva el canto convertido en lamento, por la inconciencia, por la violencia”. Tan fuerte como “es un maricón”, palabra que desde la condición sexual ofende y que definitivamente debiéramos eliminar del vocabulario si optamos concientemente por una posición de género. Caso aparte es “Dale Cariño, Dale Viagra”, tema que se inicia con unos riffs increí­bles, pero que ya con el “perra”de las primeras lí­neas, “ahora tengo una chica delgada, está morenita y muy apretada”, pierdo rápidamente interés. Y ojo, me da lo mismo lo de “los dotes anales”. Volvemos a la conciencia del lenguaje. -¿O la crí­tica social es distinta desde la perspectiva de los hombres hétero? Mmm.

Es el único bajón del disco. Porque de nuevo: suena increí­ble. No se puede dejar de mencionar las colaboraciones que se decidió incluir: Jimmy Fernandez, Keko Morton, Cristóbal Platz (quien trabajó con Joe Vasconcellos), Ivo Fadic (Santo Barrio), Claudio Carrumba con una lí­nea muy Cholomandinga. Todos alineados con la Vieja Escuela -¿Tony Manero 2010? Claro, pero con unas guitarras que ya se hubiera querido la primera vez.

Respecto al arte, me sorprendió el colorido escogido para la carátula del disco, la mezcla de celestes, rojos, blancos, creo que cumple definitivamente su objetivo: el nombre de la banda se destaca, aunque el del disco se pierda un poco. Si bien la carátula está bien y las fotos me parecen muy bien equilibradas, me llama la atención que no haya tanta armoní­a en los estilos de las fotos de la portada, cuando he visto fotos promocionales muy buenas de Gandjarvas, éstas parecen más desprolijas en producción. Adentro, el diseño sobre las caras hace que éstas se vuelvan un poco confusas, pero se agradece una carátula simple, entre tanta parafernalia en todos lados. Además, puesta en una vitrina, una mesa de discos, llama inmediatamente la atención. La contraportada, super sobria, igual que el disco mismo. El logo simple, pero listo para usarlo.

Sumando y restando, el disco definitivamente lo pones en el IPOD y les subes el volumen, para sentir en el estómago las guitarras, los scratchs, los bronces. Porque, ya dije, el sonido está bueno. Muy bueno. Vieja Escuela, obvio, con camino recorrido pero definitivamente con mucho aún por aportar. Porque era necesario quemar esta etapa de los karmas, con un disco, un disco que recogiera todo lo sentido en esta re-unión. Namasté!.

Supe de Drakos cuando su nombre ya empezaba a sonar en la escena de bandas chilenas. Habí­an ganado el Garage Music y estaban editando un primer disco. Pé Pinto, amigo de tanta música y mucho más asiduo asistente a tocatas que yo, ya habí­a sentenciado: Son buenos los Drakos. Escuchar para creer, dice mi religión, por lo que me puse a averiguar qué se traí­an entre manos.

Por PamelaX | Aldea Local

A ciencia de trueque, me hice de su primer disco, “Recta Provincia“, el que con un sonido simple, pero armonioso me sacó más de una sonrisa. -¿Sonrisa? sí­, porque cada cierto tiempo nuestra música produce bandas que se nota que tienen ese “no sé qué” que hace que valga la pena mantenerlas bajo la mira y eso siempre me alegra. El disco presenta unas cuantas irregularidades, esperables en un primer trabajo cuando se quiere compactar en una docena de temas la experiencia que se ha tenido antes de grabar, pero definitivamente es un muy buen primer disco, sólido, con buenos músicos. Y tiene colaboraciones inesperadas, que se agradecen.

Esta semana, y de nuevo luego de una negociación, tengo en mis manos el segundo disco de Drakos, “Rutas“. El saber que fue grabado en Argentina, con staff de Karamelo Santo ya es un plus, pero no me malentiendan: No soy de las personas que piensan que hay que salir del paí­s para trabajar mejor, sino que lo que me gusta es que una banda conceptualice dónde quiere llegar o cómo quiere sonar y que esto se materialice, golpeando puertas, consiguiendo recursos. Sé que han recorrido un largo camino desde la idea hasta que ésta se transformara en el disco que tengo en mis manos y brindo por eso. Sacaron trago.

En lo musical, el disco es un trabajo que se escucha fácilmente de principio a fin. Las canciones son agradables de escuchar, pegajosas, sin quedarse en un sólo estilo: cumbia, reggae, ska, latino fusión, todo sirve para levantar el ánimo, aun cuando es una apuesta arriesgada, pues si bien en la diversidad está el gusto, lamentablemente los públicos muchas veces son sectarios. Los arreglos están muy bien en todos los temas y se nota el trabajo de arreglos y voces. Varios tienen coros muy recordables, como “Navegando” y mucha fuerza, como “Nuestra Fiesta“(-¿Jaia?). Me llamó la atención sí­ que el tema que han estado promocionando desde hace ya algún tiempo, “La Mexicana“, no fuera la primera canción y que partieran con un “Quemando tus recuerdos“, que yo habrí­a dejado para más avanzado el disco, tirando a la parrilla primero canciones como “La ruta” o “Cantina” y cerrando al final con “Flor de Cosecha” (una de las canciones más logradas según mis oí­dos de este trabajo en cuanto a producción). No hay que olvidar que el disco debe ser tanto para quienes ya los conocen como para quienes los están empezando a escuchar y estos últimos pondrán el album y les darán sólo una oportunidad para generarse una impresión.

Respecto al arte del disco, debo decir que no siempre un buen dibujo es igual a una carátula que logre su objetivo. El concepto está bueno y representativo del perí­odo recorrido, para atrás y para adelante, que tiene la banda, sin embargo, a menos que seas Los Beatles no puedes tener carátulas en que no se distinga claramente el nombre y en este caso, éste se pierde con el colorido y con el equilibrio del diseño. Mención aparte merece el libro interno, que trae muy buenas fotos (sobretodo la de Pancho mirando hacia el público) pero que honestamente tiene un tamaño de letra que hace muy dificil que alguien, además de los que se estén buscando en los saludos, lo puedan leer.

Pero no me hagan caso, son maní­as que uno agarra con los años. El disco es recomendable, escúchenlo y luego vayan a ver la banda en vivo si no lo han hecho. Porque en realidad son buenos Los Drakos. Y mientras tanto yo esperaré qué nueva idea- proyecto sacarán del sombrero, para un tercer trabajo, pues tengo la seguridad que seguirán adelante, siempre pa delante, transformándose en una banda puntal de la nueva generación de músicos que se agradece hayan surgido.

Como una instantánea de parte importante del rock independiente chileno aparece “Panorama Neutral“, el disco recopilatorio que Quemasucabeza lanza con el fin de reunir en un solo trabajo a doce de algunos de los nombres más interesantes de la música local chilena hecha a punta de autogestión.

Gepe, Javiera Mena, Congelador, Mostro, Familea Miranda y Shogún son algunos de los músicos que se dan cita en este trabajo, cuyo primer tiraje de 100 copias fue distribuido entre distintos sellos independientes, tiendas de discos especializadas, medios de comunicación y músicos, todos de paí­ses como España, Francia, Portugal, Alemania e Inglaterra. Ello con el fin de difundir una interesante muestra del rock, el pop y la electrónica chilena en tierras extranjeras.

Asimismo y gracias a un acuerdo alcanzado entre Quemasucabeza y el sello independiente Astro Discos de España, “Panorama Neutral”será distribuido en Europa, consolidando el trabajo de difusión que nuestra etiqueta ha realizado en el exterior.

“Panorama Neutral”está disponible a un valor de $3.000 y lo puedes adquirir a través de la página de nuestro sello www.quemasucabeza.com.

“Chile ha dado la sorpresa. Su movimiento musical independiente ha alcanzado cuotas de calidad que les equiparan a los sectores indys de cualquier paí­s europeo. El sello Quemasucabeza ha decidido lanzar un CD con 12 temas y 12 bandas, para mostrar al mundo lo que hacen los creadores chilenos. Han decidido dar el salto atlántico y lo hacen con una música que impacta”. (Página española www.indyrock.es).

“PANORAMA NEUTRAL” (quemasucabeza discos – 2005)

“Panorama Neutral” es un disco recopilatorio que reúne a 12 bandas chilenas, cuyo trabajo ha estado ligado a la gestión independiente. Ideado como una muestra de la saludable escena musical de Chile, este disco busca dar a conocer los que consideramos algunos de los proyectos más interesantes y auténticos de nuestro paí­s.

Editado en Chile por el sello independiente Quemasucabeza, “Panorama Neutral” tendrá distribución en Europa a través de la etiqueta española Astro Discos.

Invitamos a ustedes a disfrutar este trabajo que esperamos sirva para proyectar la creación de estos músicos al mundo.

Para mayores informaciones sobre cada uno de los proyectos, favor visitar www.quemasucabeza.com o escribir a info@quemasucabeza.com.

1.- GEPE:
Alias del músico Daniel Riveros (23 años), quien se ha dado a conocer esencialmente por su carrera como baterista de una de las bandas más originales y promisorias del rock independiente chileno: Taller Dejao. Es precisamente el rasgo más folk de ese proyecto el que sale a relucir en su trabajo en solitario. Melodí­as í­ntimas y desnudas, creadas básicamente con la compañí­a de la guitarra y complementadas por arreglos simples y delicados, con el marco de una voz tan amable que es difí­cil despegarse de ella una vez que te conquista. Su único trabajo hasta la fecha se titula “5 x 5″ y fue editado por Jacobino Discos el 2004. Prontamente se apresta a grabar su debut largaduración por Quemasucabeza. Gepe es sensibilidad pura. Y eso no se encuentra todos los dí­as.

2.- CONGELADOR:
Con cuatro discos editados en Chile, uno en España y un quinto que será lanzado durante este año en ambos paí­ses y México, Congelador se ha consagrado como uno de los puntales de la escena independiente nacional. Su carrera, que bordea la década de existencia, ha demostrado un desarrollo ecléctico que los ha llevado al noise, la improvisación instrumental y el pop. Alabados por público y prensa especializada, su presencia en “Panorama Neutral” viene a confirmar una postura independiente que les ha dado importantes frutos. Su actual alineación está formada por Walter Roblero (bajo), los hermanos Rodrigo (guitarra y voz) y Jorge Santis (baterí­a y secuencias), además de la guitarra de Katafú. “Cordillera” se titula el álbum que Congelador editará el presente año y que incluye el track “Comenzar de Cero”.

3.- JAVIERA MENA:
A pesar de su corta vida, Javiera Mena ha recorrido los caminos más disí­miles de la música, yendo desde el folk más básico, con influencias de Violeta Parra, hasta el pop de bases electrónicas, demostrando en todas sus facetas un talento que le ha valido el respeto de sus colegas. Sus presentaciones en nuestro paí­s y en Argentina han confirmado las proyecciones de esta artista que ha compartido escenario con nombres como Entre Rí­os y Rosario Bléfari. Con un disco debut en preparación, que cuenta con la producción de Cristian Heyne (Shogun), esta cantautora y multiinstrumentista promete convertirse en referente esencial de las generaciones más jóvenes de músicos chilenos. Su actual banda se completa con los músicos Daniel Riveros y Diego Morales.

4.- FAMILEA MIRANDA:
Viejos próceres del punk nacional (musical e ideológicamente hablando) forman este trí­o que ha tenido sumas y restas en su formación, concebida en 1999, pero que se ha mantenido fiel al espí­ritu de autogestión que ha inspirado su carrera. Con numerosas presentaciones en Chile, la banda actualmente formada por Katafú (guitarra / ex Caos, Anarkí­a y Supersordo), Gomberoff (bajo / ex Insurgentes y Negativo 55) y Layseca (baterí­a) ha llevado su trabajo a Argentina, Alemania, República Checa, los Paí­ses Bajos y un largo etcétera. “FM” (Miranada Discos, 2001) y “Ferguson” (Miranada Discos, 2003) componen una discografí­a que responde bien a la definición que describe su música como un “nudo de nervios”, con un sonido contundente y lleno de quiebres. Uno de los lujos de la escena independiente nacional.

5.- MOSTRO:
Mostro se formó en septiembre de 2000 en Los Andes, ciudad natal de sus dos integrantes en la actualidad: los hermanos Carlos (guitarra, teclados, baterí­a) y Jaime Reinoso (baterí­a y teclados). Su disco debut “HR=01″ (Quemasucabeza Discos, 2003) fue grabado en los estudios Montealegre de Valparaí­so por Carlos Canales (guitarrista del grupo porteño Uñas Negras), mezclado y masterizado por Rodrigo Santis (Congelador) en los estudios Sanhattan de la capital. La música de los hermanos Reinoso reúne elementos de rock, jazz y sonidos electrónicos, trabajados sobre la ambivalencia de una estética que puede ir de lo violento a lo más sutil, haciendo hincapié en la construcción de estructuras netamente instrumentales. Previo al proceso de masterización de su segundo disco, Mostro se une a “Panorama Neutral” con parte de esa nueva obra que será lanzada el presente año.

6.- FREDI MICHEL:
Disonancia llevada al extremo. Fredi Michel ha perfeccionado el arte de experimentar llevando su música desde el noise más descarnado a los atisbos más bailables que hacen vibrar a su ya fiel público. Formado por Diego Morales (guitarra, delay, ocasionalmente teclados y baterí­a), Andrea Guerrero (voz, teclados, guitarra y viola), Felipe Sancho (baterí­a, percusión) y Julio Moyano (bajo, delay y percusiones), sus integrantes tienen alrededor de 22 años en promedio y generan la intensidad del caos a punto del descontrol.

7.- DORMITORIO:
Walter Roblero y Rodrigo Dubó conforman la base de Dormitorio; un proyecto nacido con una remarcada inspiración pop que poco a poco ha entrado en terrenos diversos, en busca de la identidad del que recién extiende las alas. Surgido como proyecto paralelo de Roblero, bajista de Congelador, en la actualidad Dormitorio prepara la alineación con la que hará su estreno en vivo.

8.- BARCO:
Aprovechando la gama de posibilidades que da la sencillez de una guitarra acústica, Rodrigo Santis (Congelador) dio vida a Barco, un proyecto personal que ha navegado de forma paralela a la carrera de este músico, recogiendo en el camino una serie de influencias que han enriquecido su entrega. En permanente desarrollo, Barco ya reúne un nutrido repertorio que descansa en espera del mejor momento para zarpar.

9.- DIZZLECCIKO:
Aunque en un comienzo Dizzlecciko transitó netamente por las aguas del post rock, su evolución los ha llevado a incursionar en terrenos más complejos y experimentales, demostrando un manejo absoluto de las atmósferas delicadas y de la descarga instrumental a dos guitarras, bajo y baterí­a. Los escenarios locales recién comienzan a ser frecuentados por estos músicos, cuya apuesta parece expandirse sin obstáculos.

10.- DIEGO MORALES:
“El Dub de los Pobres” (Luna, 2003) fue el disco que reveló a Diego Morales como una apuesta segura, confirmando las expectativas generadas por su trabajo con la banda Fredi Michel y colocándolo en medio de una nueva camada de talentos chilenos. Su participación en el sello Jacobino Discos, a través del compilado que muestra el interesante catálogo de este colectivo, confirmó las sospechas. Así­ también lo entendió el sello francés Autres Direction in Music que lo incluyó en una selección de composiciones en la que comparte pistas con Pan American, Mitchell Akiyama, The Remote Viewer y Greg Davis, entre otros. Lo suyo es la utilización de programas en los que procesa y mezcla innumerables sonidos, que van desde instrumentos como guitarras, bajo, baterí­a y teclados hasta grabaciones de campo. Una faceta que enriquece una trayectoria musical que, a los 22 años, ya incluye participaciones en bandas como Condensador de Flujos, Humo Lí­quido y la ya mencionada Fredi Michel, donde milita hasta hoy.

11.- NHUR:
Atmósferas instrumentales interrumpidas por espacios donde sólo queda un acorde en suspensión. Nhur sincroniza la ejecución de sus instrumentos con la fluidez de quien se mueve bajo el agua, utilizando el silencio como una pausa absoluta antes de la explosión, la que en algunos casos incluye dos baterí­as. ílvaro Del Pino, ílvaro Riveros, Rodrigo Ibarra y Jorge Silva componen esta banda cercana al post rock, que se ha consolidado como una de las más atractivas e interesantes de la escena local.

12.- SHOGUN:
Permanente explorador de los misterios del sonido, Cristian Heyne se vale de Shogun para dar rienda suelta a los descubrimientos más oscuros que esa tarea le permite. Consolidado como uno de los genios más herméticos de la música chilena, este músico/productor ha encontrado en la tecnologí­a el cómplice perfecto para indagar en los más diversos estilos. Todo un desafí­o para el que escucha.

Fuente: Indice Virgen

Honesto, crí­tico, antisistema, puro, inteligente y ícido. Según los oí­dos. Para considerarlo entre los grandes discos de este año es “Huelga de hambre”, lo último de el trí­o Hip Hop “Legua York”-el nombre dice el origen-.

Gracias al Sello Alerce, pudimos conocer y ahora comentar este trabajo ecléctico en su forma, pues entre otras mezclas, encontramos idiomas como el mapudungún, francés y portugués.

Si hay algo que resume “Huelga de hambre”es el concepto lucha. La batalla de UnoZeroXero, Reween, Lulolegua y Dj Jo-C, es contra la demencia del sistema. En la lucidez de “Legua York”, están las respuestas –¿Si se buscan?, claro- para comprender el desencanto de los jóvenes. En este contexto quedan las utopí­as, y surge el discurso libertario de grandes idealistas latinoamericanos. Nunca imaginó Allende, por ejemplo, que su voz serí­a ocupada por un grupo Hip Hop.

También está el lado intimista con el recuerdo de Gervasio, en un tema cantado por su hijo Nahuel.

En Huelga de Hambre se pueden observar infinidad de sonidos y una variedad de colaboraciones extranjeras con toques franceses y de trovadores chilenos, hasta el polo rockero gracias a la colaboración de Claudio Narea en el primer single titulado -¿Dios habla en inglés? Ojalá podamos ver a “Legua York”en vivo en algún escenario de la ciudad, o es que sigo pensando que el Hip Hop no ha muerto.

Fuente: El Mercurio de Antofagasta
Martes 10 de mayo de 2005

Pánico / Manuel Garcí­a
(2005, Alerce, La Otra Música).

Más escondida o más aparente según el caso, la primera educación del músico chileno Manuel Garcí­a ha sido el ejercicio de componer y cantar canciones a solas con una guitarra. Más moderada en su grupo de rock Mecánica Popular y más presente en su anterior y disuelto conjunto Coré, es en su primer disco como solista donde esa escuela de trova es de plano evidente. Con evidencia de la mejor.

Pánico es una colección de canciones inéditas, escritas y guardadas durante años por el cantante. En algunas de ellas, como “Tanto creo en ti” o “Tu ventana”, su modo de pulsar la guitarra con la mano derecha es afí­n al de Silvio Rodrí­guez en canciones como “El pintor de las mujeres solas” o “Nuestro tema”, y ése no es sino el punto de partida más apropiado para un músico como este. A cambio, la mano izquierda con la que despliega los acordes, la voz, la melodí­a, el fraseo, son todos rasgos propios que abundan en esta música y se manifiestan en muchos sentidos: armoní­as imaginativas, ejecución sólida, melodí­as bonitas y casi siempre melancólicas. Junto a la trova se adivinan otras fuentes, también escondidas o aparentes, como una guitarra acústica de acento blusero y rockero en “Insecto de oro”, la escucha latente de Radiohead o el rock lento de piano y baterí­a que es “Caen lunas”.

La mano del productor general, el cubano Fidel Antonio Orta, secundado por el talentoso pianista chileno Alejandro Soto y por el propio Manuel Garcí­a, son responsables de otro punto cumbre del disco: los arreglos de las canciones, capaces de levantar un mundo de timbres ya no de una orquesta ni de un gran conjunto, sino de un juego de guitarras de cuerdas metálicas o de nylon. Y para tocar esto Manuel Garcí­a acude a polos diversos: un trí­o de cuerdas, músicos de los propios Mecánica Popular como Diego ílvarez (guitarra) y del disuelto grupo Surgente, como Alejandro Soto, el guitarrista Ian Moya y el percusionista Cristián Carvacho. Con ellos el cantante canta metáforas incontables, toca una reinvención acústica de “La pena vuela” (de Mecánica Popular), hace la singular conjugación verbal en “El viejo comunista”, entona canciones de amor como “Hablar de ti” y “Cómo dices tú” y atiborra versos de palabras que hasta ponen en aprieto su respiración en “Pánico”, la canción. Pánico, el álbum, uno de los lanzamientos musicales chilenos del año, es un disco denso de tanta música que encierra, y con él Manuel Garcí­a gana espacio entre los mejores nuevos autores populares chilenos.

David Ponce

Fuente: EMOL

Manuel Garcí­a “Pánico” (2005, Alerce).

1. Tanto creo en ti.
2. La pena vuela.
3. Bufón.
4. Insecto de oro.
5. Tu ventana.
6. Pánico.
7. El viejo comunista.
8. Hablar de ti.
9. Cómo dices tú.
10. La danza de las libélulas.
11. Azúcar al café.
12. Caen lunas.
13. El reino del tiempo.

Músicos:
Manuel Garcí­a (voz, guitarra, arreglos)
Alejandro Soto (guitarra, acordeón, teclados, arreglos)
Diego ílvarez
Ian Moya (guitarras)
Nicolás Faunes (flauta traversa)
Ví­ctor Martí­nez (violí­n)
Miguel Arredondo (cello)
Daniel Navarrete (contrabajo)
Christian Bravo (bajo acústico)
Cristián Carvacho (percusión).

Producción:
Manuel Garcí­a, Alejandro Soto y Fidel Antonio Orta.

Duración:
49″™08″™”™.

Contacto:
www.selloalerce.cl

Sartén de estrellas / Mario Rojas & the Flaiting Project
(2005, Machi/Fondart).

Debidamente registrado a su tiempo, el derecho de Mario Rojas a rapear, rockear y cuequear tiene larga data. Él fue uno de los gestores del primer grupo de rap chileno en De Kiruza, desde entonces conoce una raí­z funky a la chilena que cultiva hasta hoy, fue y será el único compañero de ruta común a dos maestros de la cueca y la cultura popular como Roberto Parra y Nano Núñez, y todo eso reaparece junto en su cuarto disco.

Mario Rojas ha actuado como solista, con el grupo de cueca urbana Los Santiaguinos y ahora reaparece al frente de The Flaiting Project, su nuevo grupo, pero todas son distintas denominaciones para la misma identidad. Hablen de la ciudad o de sí­ mismo, las canciones de Mario Rojas son personales, y en Sartén de estrellas lo mismo vale para el aire afroperuano que hay en “Me separé”, la balada pop rockera “Los caminos del amor” o la página personal de “A puro corazón” en el borde quieto del disco, o para el rock funkero y rapeado de canciones hermanas como “Todas mis canciones” y “Pegadito a la ventana de la micro”, que transitan sin escollos desde el diario de vida confesional a la crónica citadina.

Este es el disco más ordenado y mejor producido de los cuatro que tiene el cantante, por efecto de la producción de Sergio Tilo González, baterista y compositor de Congreso. La música tiene ese sello pulcro y cálido al mismo tiempo, con texturas acústicas que hacen buen juego con la voz de Mario Rojas. La raí­z de la cueca se oye en dos canciones escritas junto a Pedro Yáñez y en un dueto con Pedro Foncea, también socio fundador de De Kiruza, que viene a renovar el género de la cueca soul. Y es significativo que Rojas haya grabado aquí­ una versión para “Estelas del destino”, canción del eminente Hugo Moraga, que es otro autor chileno con años de experiencia a su favor. Hay pocos de esa generación que ejerzan como Mario Rojas su derecho documentado a rapear, rockear y cuequear.

David Ponce

Fuente: EMOL

Mario Rojas & the Flaiting Project, “Sartén de estrellas”
(2005, Machi/Fondart).

1. Antes que”
2. Todas mis canciones.
3. Oye, abre la puerta.
4. Estelas del destino.
5. Me separé.
6. Los caminos del amor.
7. Pegadito a la ventana de la micro.
8. Quisiera ser astronauta.
9. Adiós, negrita.
10. En los misterios del canto.
11. A puro corazón.
12. Un desastre de galán.

Músicos:
Mario Rojas (voz, guitarra)
Felipe Bravo (guitarras)
Jorge Campos (bajo, contrabajo)
Tilo González (baterí­a, percusión).

Invitados:
Magdalena Matthey (voz)
Pedro Foncea (voz)
Gabriel Skármeta (teclados)
Ignacio Hernández (acordeón)
Johnny Campos (trompeta).

Producción:
Sergio Tilo González y Mario Rojas.

Duración:
45″™11″™”™.

Contacto:
www.cuecachilena.cl